BLUES DE GAS:
ENCICLOPEDIA DE LAS MUJERES Y EL BLUES
(1920 – 2020)

El 10 de agosto de 1920 Mamie Smith grabó «Crazy Blues». Vendió 75.000 copias el mes de su lanzamiento.
Ante semejante éxito, en los años siguientes, se sucedieron numerosas grabaciones de intérpretes femeninas
a la vez que aparecían diferentes sellos discográficos.

No hay que olvidar que, en el apogeo
de la era clásica del blues femenino, 
la competencia era muy dura, pues eran muchas las mujeres con talento.
Y fue una auténtica poeta. Sus canciones sobre la muerte y las creencias
y supersticiones fueron un rasgo de
su obra.

Con un lirismo crudo e intenso, también escribió contra la pena de muerte, sobre la independencia femenina, la liberación sexual y las luchas sociales y políticas de los negros de principios del siglo XX desde una perspectiva feminista,
su marca personal.
Hay que destacar, sobre todo: “Wild Women Don’t Have the Blues”, una reivindicación de la libertad
de las mujeres y uno de los primeros himnos feministas.

Pero una de las cantantes más populares fue Lil Johnson, gracias a un blues 
de 1936 titulado «Press My Button (Ring My Bell)». Un título evidente: «Presiona mi botón (toca mi campana)».

Durante la postguerra, su estilo sofisticado y sensual no tuvo éxito,
ni siquiera cuando intentó reinventarse como artista de jazz y blues en 1949,
al estilo de Billie Holiday.
Esto hizo que se viera obligada
a retirarse de los escenarios.
Créditos de esta grabación. 
Voz: Lil Green. Guitarra: Big Bill Broonzy. Piano: Simeon Henry.
Bajo: Ransom Knowling.

Años después un grupo de muchachos encabezados por Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Carl Perkins y Elvis Presley reconocieron su influencia. 
Su canción «Down by the Riverside»,
de 1948, fue clave como influencia
en el R&B. Pero en aquella época la habilidad guitarrística estaba relacionada con la masculinidad, y sólo se reconocía a medias que podía «tocar como hombre».

Tharpe fue pionera en su técnica
de guitarra y una de las primeras
en grabar utilizando distorsión, lo que señaló el camino para los blues eléctricos. 
Su manera de tocar su Gibson Les Paul, influyó en el desarrollo del blues británico de los 60. Así lo reconocieron Eric Clapton, Jeff Beck y Keith Richards.
En 1947, Tharpe escuchó cantar a Little Richard y lo invitó a hacerlo con ella;
fue la primera actuación de Richard fuera de la iglesia.
Tharpe le pagó por su actuación, y, confesó Richard, esto “lo inspiró” para convertirse en artista. Johnny Cash dijo que era
su cantante favorita. Y Aretha Franklin, Tina Turner, Isaac Hayes, Meat Loaf y Neil Sedaka identificaron su canto, su guitarra, su energía rítmica y su talento para el espectáculo como una gran influencia
en sus carreras.

En 1944 grabó «Strange Things Happening Every Day», el primer tema góspel en colarse en las discriminatorias listas de la revista Billboard, donde alcanzó el nº 2. El tema fue precursor
de un género aún sin nombre que estaba naciendo de la unión entre el blues, el R&B, el country y el bluegrass: el rock and roll,
la música popular más importante del siglo XX. La llamaron: «La primera canción
de rock and roll».

Stoller empezó a tocar el piano y la señora se puso a cantar a lo Frank Sinatra. Leiber, con timidez y delicadeza le dijo que así
no era. La señora era Big Mama Thornton. Lo de “Big” resumía 140 kilos, un metro 85 de estatura y cicatrices en la cara de unos cuchillazos. Era cantante de blues y R&B, armonicista y baterista.
La mirada que le echó la gigantona casi
lo tira de culo. —¿Me va a enseñar el chico blanco a cantar el blues? —dijo. Leiber
le sugirió: —¿Tal vez si atacaras la canción con un poco más de… —¡Atácame esto! —dijo Big Mama señalando su entrepierna. Leiber estaba a punto de marcharse.
Pero Johnny Otis lo invitó a cantar
la canción.
En cuanto comenzó con los primeros versos la broma acabó. Big Mama comprendió la dureza que el tema requería, el humor sexual que ocultaba,
el grito de guerra femenino que desprendía esa mujer que se plantaba ante un típico chulo. No tenía que recitarla, tenía que rugirla. Tras dos ensayos la banda fue al estudio.
La canción fue número 1 en las listas
de Rhythm & Blues. Cuatro años después
la grabó Elvis Presley.
Su versión llegó a la cima de todas
las listas. Vendió 10 millones de discos
y mantuvo durante 36 años el récord
de ser el single que más tiempo estuvo
en el número 1. Pero Leiber apuntó:
«La interpretación de Elvis se quedó floja. No supo pillarle el punto». En la década
de 1970, la adicción a la bebida de Big Mama empezó a dañar su salud.
Sufrió un grave accidente de tráfico,
pero fue capaz de recuperarse y actuar
en el Newport Jazz Festival de 1983,
y grabar un álbum en directo, con Muddy Waters, B. B. King, y Eddie «Cleanhead» Vinson.
Thornton murió de un ataque al corazón en una casa de huéspedes a los 57 años.

Nació en una granja de Memphis, donde su padre era labrador.
Su nombre de pila era Cora Walton, y su nombre artístico Koko Taylor. Fue una de las “Reinas del blues” por su voz áspera y potente y su estilo basado en el blues tradicional, que abarcaba el blues de Chicago, el blues eléctrico, el R&B y el soul blues.

En 1962, a los 34 años, fue descubierta por el gran Willie Dixon. Un año después grabó «Wang Dang Doodle» (“Juerga”), un tema de Dixon. La canción llegó al número 4 en las listas de R&B en 1966 y vendió un millón de copias. Éxito también de Howlin’ Wolf, quien la había grabado cinco años antes.
A lo largo de su carrera grabó 17 elepés, 8 de ellos nominados a los Grammy, dominando las listas de cantantes femeninas de blues y ganando 24 premios de blues (más que ningún otro artista).
Taylor ejerció su influencia sobre Bonnie Raitt, Shemekia Copeland, Janis Joplin y Susan Tedeschi.

Nina Simone, cantante, pianista, arreglista y compositora, podía reunir en una canción el contrapunto de Bach, la improvisación del jazz y la modulación del blues. Pero ella no contaba todo lo que sabía, sino lo que debía. Por eso incorporó los silencios como elemento musical, haciendo avanzar, con cada nota de su piano, el estado de ánimo hasta llegar al clímax con pocos acordes.

Nina Simone sabía distinguir lo interesante de lo importante. Era mujer de mucha acción y pocas palabras. En cuarenta años de carrera grabó un centenar de discos, y fue una voz fundamental en la protesta negra y la reivindicación femenina. Sus opiniones eran tajantes y concisas: “El blues está en la raíz de toda la música de mi gente”, dijo.
Su voz agridulce a veces susurra, pero luego grita o gime, transmitiendo todas las sensaciones del alma humana. No quería que la encasillaran como cantante de jazz, porque decía que es el destino natural que los blancos reservan a los músicos negros.
Nina no buscó la fama o el dinero, sino poner su talento al servicio del pueblo negro. Temas compuestos por ella en 1966, como «Four Women», se convirtieron en emblemas de lucha en Estados Unidos. La canción fue prohibida en las radios de Filadelfia y Nueva York. Es el amargo lamento de cuatro mujeres negras cuyas terribles vidas están relacionadas con gradaciones sutiles en el color de la piel.

De su discografía hemos seleccionado  “Crawlin’ King Snake” una canción poco conocida, basada en un clásico del Delta Blues de 1920. 
Musicalmente resume parte de la historia del blues y donde aparece un personaje mítico: la serpiente.
En el mundo del blues, muy influenciado por la religión cristiana evangelista,
la serpiente es la reina del engaño
y la astucia, y la identifica con
las mujeres. En el blues clásico, la mujer, que es más inteligente que el hombre,
se aprovecha de él y le engaña.
Pero la black snake es diferente.
La temática también es sexual, pero relacionada con el hombre. Esta serpiente es inmune al veneno de otras serpientes
y se alimenta de ellas. De ahí la categoría de King Snake (rey de las serpientes).
Ese carácter de superioridad,
en la sociedad machista de la época dorada del blues, le venía como anillo al dedo
a los machotes blueseros.
“Soy el rey serpiente
y mando en mi madriguera;
no te quiero cerca de mi pareja,
la quiero sólo para mí”.

En su estilo han influido artistas como Robert Plant, Ella Fitzgerald, Janis Joplin, Aretha Franklin o Etta James.

En 1993 su victoria en un concurso
de talentos, con la interpretación
de su propio tema «Am I the one», supuso un impulso muy importante para llegar
a un público mayor.

Lo tuvo fácil ya que compitió contra
una versión ñoña de la ñoña “Granada”
de Agustín Lara interpretado
por la mexicana Norma Montiel.
Beth Hart ha grabado con guitarristas
de la talla de Jeff Beck, Slash y Joe Bonamassa. 

Conoció a Bonamassa en el pasillo
de un hotel, y en seguida se pusieron
a trabajar en un álbum de clásicos
del blues, que fue lanzado en 2011
con el título «Don’t explain».
Fue un éxito rotundo.
Hasta hoy, ha publicado 18 elepés,
el último en 2019. Beth Hart podría llegar a ser una de las más grandes de todos
los tiempos.
Dice que es una blanca con la voz negra.