BLUES DE GAS: ENCICLOPEDIA DE LAS MUJERES Y EL BLUES

Con un lirismo crudo e intenso, también escribió contra la pena de muerte, sobre la independencia femenina, la liberación sexual y las luchas sociales y políticas de los negros de principios del siglo XX desde una perspectiva feminista, su marca personal. Hay que destacar sobre todo: “Wild Women Don’t Have the Blues”, una reivindicación de la libertad de las mujeres y uno de los primeros himnos feministas.

Es una de las tres voces femeninas más influyentes del jazz junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Su «Strange Fruit» lo calificó la revista Time en 1999 como la mejor canción del siglo XX. Y «Fine and mellow», una de las más relevantes en la historia del jazz. Frank Sinatra dijo que era su mayor influencia. El valor artístico de Holiday reside en la capacidad de adaptar su tesitura limitada al contenido de la canción dándole una intensidad inigualable. Su voz fue cambiando.

La primera grabación de 1933 la mostró infantil y llena de vitalidad. En 1940 ya era más sugerente.
La describían como cariñosa, dulce, aunque desgastada, experimentada, triste y sofisticada.
 Con el tiempo, las drogas la enronquecieron. Pero nunca perdió su maravilloso fraseo y emotividad.
En muchos locales tenía prohibido usar la entrada principal, y debía esperar en un cuarto oscuro
antes de salir a escena. Para explicar la emoción del blues en la que vivía instalada, solía decir:
«Yo he vivido canciones como esa».

El 12 de julio de 1959 fue condenada a permanecer bajo custodia policial por posesión de narcóticos. Rodeada de policías, murió cinco días después, a los 44 años. En 1935 grabó esta impresionante,
pero poco conocida canción: “You let me down”, “Me dejaste tirada”.

Pero una de las cantantes más populares fue Lil Johnson, gracias a un blues de 1936 titulado 
«Press My Button (Ring My Bell)». Un título evidente: «Presiona mi botón (toca mi campana)».

 Durante la postguerra, su estilo sofisticado y sensual no tuvo éxito, ni siquiera cuando intentó reinventarse como artista de jazz y blues en 1949, al estilo de Billie Holiday. Esto hizo que se viera obligada a retirarse de los escenarios.
Créditos de esta grabación. Voz: Lil Green. Guitarra: Big Bill Broonzy. Piano: Simeon Henry. Bajo: Ransom Knowling.

Su carrera se prolongó durante más de tres décadas y grabó unas 200 canciones, muchas autobiográficas y compuestas por ella misma. Su voz abarcaba un gran registro y tocaba la guitarra mejor que muchos músicos. El extraordinario Big Bill Broonzy, relata una competición entre él y Minnie en un club nocturno en 1933; el premio era una botella de whisky y otra de ginebra, y cada uno cantaría dos canciones. Minnie ganó el premio.
Sus biógrafos escribieron: «Sólo dejó su guitarra hasta que ya no pudo levantarla».
Minnie era una profesional refinada y una mujer independiente que sabía defenderse. Se presentaba ante el público muy femenina, vistiendo ropa cara, siempre enjoyada, y un recipiente para escupir el tabaco que mascaba mientras cantaba y tocaba.
Y muy agresiva si era necesario. Según el músico de blues Johnny Shines: «Cuando algún hombre
la engañaba no se andaba con tonterías: guitarra, navaja, pistola…, utilizaba lo que tuviese a mano».
En 1941, comenzó a tocar la guitarra eléctrica, y en mayo de ese año grabó su mayor éxito, «Me and My Chauffeur Blues».

Años después un grupo de muchachos encabezados por Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Carl Perkins y Elvis Presley reconocieron su influencia. Su canción «Down by the Riverside», de 1948, fue clave como influencia en el R&B. Pero en aquella época la habilidad guitarrística estaba relacionada
con la masculinidad, y sólo se reconocía a medias que podía «tocar como un hombre».

Tharpe fue pionera en su técnica de guitarra y una de las primeras en grabar utilizando distorsión,
lo que señaló el camino para los blues eléctricos. Su manera de tocar su Gibson Les Paul, influyó
en el desarrollo del blues británico de los 60. Así lo reconocieron Eric Clapton, Jeff Beck y Keith Richards.
En 1947, Tharpe escuchó cantar a Little Richard y lo invitó a hacerlo con ella; fue la primera actuación
de Richard fuera de la iglesia. Tharpe le pagó por su actuación, y, confesó Richard, esto “lo inspiró”
para convertirse en artista. Johnny Cash dijo que era su cantante favorita. Y Aretha Franklin, Tina Turner, Isaac Hayes, Meat Loaf y Neil Sedaka identificaron su canto, su guitarra, su energía rítmica y su talento
para el espectáculo como una gran influencia en sus carreras.

En 1944 grabó «Strange Things Happening Every Day», el primer tema góspel en colarse
en las discriminatorias listas de la revista Billboard, donde alcanzó el nº 2. El tema fue precursor
de un género aún sin nombre que estaba naciendo de la unión entre el blues, el R&B, el country
y el bluegrass: el rock and roll, la música popular más importante del siglo XX. 
La llamaron: «La primera canción de rock and roll».

Stoller empezó a tocar el piano y la señora se puso a cantar a lo Frank Sinatra. Leiber, con timidez
y delicadeza le dijo que así no era.
La señora era Big Mama Thornton. Lo de “Big” resumía 140 kilos, un metro 85 de estatura y cicatrices
en la cara de unos cuchillazos. Era cantante de blues y R&B, armonicista y baterista.
La mirada que le echó la gigantona casi lo tira de culo.
—¿Me va a enseñar el chico blanco a cantar el blues? —dijo.
Leiber le sugirió:
—¿Tal vez si atacaras la canción con un poco más de…
—¡Atácame esto! —dijo Big Mama señalando su entrepierna.
Leiber estaba a punto de marcharse. Pero Johnny Otis lo invitó a cantar la canción. En cuanto comenzó
con los primeros versos la broma acabó. Big Mama comprendió la dureza que el tema requería, el humor sexual que ocultaba, el grito de guerra femenino que desprendía esa mujer que se plantaba ante un típico chulo. No tenía que recitarla, tenía que rugirla. Tras dos ensayos la banda fue al estudio.
La canción fue número 1 en las listas de Rhythm & Blues.
Cuatro años después la grabó Elvis Presley. Su versión llegó a la cima de todas las listas. Vendió
10 millones de discos y mantuvo durante 36 años el récord de ser el single que más tiempo estuvo
en el número 1. Pero Leiber apuntó: «La interpretación de Elvis se quedó floja. No supo pillarle el punto».
En la década de 1970, la adicción a la bebida de Big Mama empezó a dañar su salud. Sufrió un grave accidente de tráfico, pero fue capaz de recuperarse y actuar en el Newport Jazz Festival de 1983, y grabar
un álbum en directo, con Muddy Waters, B. B. King, y Eddie «Cleanhead» Vinson.
Thornton murió de un ataque al corazón en una casa de huéspedes a los 57 años.

En mayo de 1958, grabó una versión de “Fever” con letra reescrita y arreglada por ella. Fue su ”canción más memorable” y la que mostró su carácter más recordado: ”entrega lúdica, carisma y sexualidad”.
Lee fue una estilista, por mucho que algunos quisieran verla como una imitadora blanca de Billie Holiday.
En una entrevista dejó claras las diferencias: “Holiday pronuncia de manera pequeña y cerrada las vocales, mientras yo las hago muy abiertas”.
Fue nominada para un Oscar por su actuación en Pete Kelly’s Blues de Jack Webb, donde también figuraba Ella Fitzgerald.
Esta canción de 1963 es una declaración de principios, se titula “Soy una mujer” e incorpora un tipo
de narración que “suena” a rap.

En 1962, a los 34 años, fue descubierta por el gran Willie Dixon. Un año después grabó «Wang Dang Doodle» (“Juerga”), un tema de Dixon. La canción llegó al número 4 en las listas de R&B en 1966 y vendió un millón de copias. Éxito también de Howlin’ Wolf, quien la había grabado cinco años antes.
A lo largo de su carrera grabó 17 elepés, 8 de ellos nominados a los Grammy, dominando las listas
de cantantes femeninas de blues y ganando 24 premios de blues (más que ningún otro artista).
Taylor ejerció su influencia sobre Bonnie Raitt, Shemekia Copeland, Janis Joplin y Susan Tedeschi.

Nina Simone sabía distinguir lo interesante de lo importante. Era mujer de mucha acción y pocas palabras. En cuarenta años de carrera grabó un centenar de discos, y fue una voz fundamental
en la protesta negra y la reivindicación femenina. Sus opiniones eran tajantes y concisas: “El blues está
en la raíz de toda la música de mi gente”, dijo.
Su voz agridulce a veces susurra, pero luego grita o gime, transmitiendo todas las sensaciones del alma humana. No quería que la encasillaran como cantante de jazz, porque decía que es el destino natural
que los blancos reservan a los músicos negros.
Nina no buscó la fama o el dinero, sino poner su talento al servicio del pueblo negro. Temas compuestos
por ella en 1966, como «Four Women», se convirtieron en emblemas de lucha en Estados Unidos.
La canción fue prohibida en las radios de Filadelfia y Nueva York. Es el amargo lamento de cuatro mujeres negras cuyas terribles vidas están relacionadas con gradaciones sutiles en el color de la piel.

Dicen las crónicas que en su adolescencia un grupo de “marginados” le dio a escuchar los discos de Bessie Smith, «Ma» Rainey o Leadbelly; que formó parte de un coro y allí cantó a Odetta, Billie Holiday y Big Mama Thornton, y que a los 16 años frecuentó los bares de blues y jazz de Luisiana.
En 1967 actuó con su grupo en el Festival de Monterrey junto con Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who. Allí interpretó una asombrosa versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, «Ball and Chain».

Desde 1967 a 1971, sólo grabó 4 álbumes de estudio, con tres grupos distintos y diferentes estilos.
Pasó del psicodélico Cheap Thrill, (disco de oro a los tres días de su lanzamiento), a estilos blues y soul, influenciada por las cantantes que veneraba: Bessie Smith, Billie Holiday y Aretha Frankiln.

En 1969, creó su propia banda, la Kozmic Blues Band, con la cual grabó el disco I Got Dem OI’ Kozmic Blues Again Mama!, mezcla de rock, soul y blues.
En septiembre de 1970 grabó Pearl. Joplin falleció el 4 de octubre de ese año por una sobredosis
de heroína. Tenía 27 años. Su disco salió mes y medio después de su muerte, y fue número uno
de ventas durante catorce semanas.
De su primer disco, Big Brother & the Holding Company, es el tema: “Las mujeres son perdedoras”.

De su discografía hemos seleccionado “Crawlin’ King Snake” una canción poco conocida, basada
en un clásico del Delta Blues de 1920. Musicalmente resume parte de la historia del blues y donde aparece un personaje mítico: la serpiente.
En el mundo del blues, muy influenciado por la religión cristiana evangelista, la serpiente es la reina
del engaño y la astucia, y la identifica con las mujeres. En el blues clásico, la mujer, que es más inteligente que el hombre, se aprovecha de él y le engaña.
Pero la black snake es diferente. La temática también es sexual, pero relacionada con el hombre.
Esta serpiente es inmune al veneno de otras serpientes y se alimenta de ellas. De ahí la categoría de King Snake (rey de las serpientes). Ese carácter de superioridad, en la sociedad machista de la época dorada
del blues, le venía como anillo al dedo a los machotes blueseros. “Soy el rey serpiente y mando
en mi madriguera; no te quiero cerca de mi pareja, la quiero sólo para mí”.

En 1993 su victoria en un concurso de talentos, con la interpretación de su propio tema «Am I the one», supuso un impulso muy importante para llegar a un público mayor.
Lo tuvo fácil ya que compitió contra una versión ñoña de la ñoña “Granada” de Agustín Lara interpretado
por la mexicana Norma Montiel.
Beth Hart ha grabado con guitarristas de la talla de Jeff Beck, Slash y Joe Bonamassa. 
Conoció a Bonamassa en el pasillo de un hotel, y en seguida se pusieron a trabajar en un álbum de clásicos del blues, que fue lanzado en 2011 con el título «Don’t explain». Fue un éxito rotundo.
Hasta hoy, ha publicado 18 elepés, el último en 2019. Beth Hart podría llegar a ser una de las más grandes de todos los tiempos. Dice que es una blanca con la voz negra.