JAZZ, NO LO ENTIENDO, PERO ME GUSTA

Canciones restauradas y subtituladas

Consigue tu ejemplar aquí.

Jazz: no lo entiendo, pero me gusta

Se trata de un recorrido cronológico por la historia del jazz (1902-1976) a través de algunos de sus estándares más significativos y la influencia musical que han ejercido en artistas de otros géneros (pop, rock, soul). En varias grabaciones se ha realizado un proceso de restauración sonora con los más avanzados medios técnicos para no perder la emoción con las que fueron interpretadas.

Jazz: no lo entiendo, pero me gusta – A love supreme

Decía el baterista Elvin Jones: “Para saber quién era John Coltrane hay que conocer “A Love Supreme”. Es como la culminación de la vida de un hombre, toda la historia de su vida. Amplió el concepto de lo que era la música. Es completamente espiritual: mayores y niños saben apreciarlo”. Así lo entendió el percusionista cubano Miguel ‘Angá’ Díaz en esta sincrética versión yoruba. También su viaje musical fue una búsqueda para investigar y crear nuevos sonidos y fusiones rítmicas.

Scott Joplin – The Entertainer

El ragtime(ragged-time, “tiempo rasgado”), es un género musical afronorteamericano que se popularizó a finales del siglo XIX. Entre sus raíces aparecen elementos de marcha en el estilo de John Philip Sousay de ritmos de la música africana. Es una de las primeras formas musicales estadounidenses y una de las influencias en el desarrollo del jazz. Su principal compositor fueScott Joplin (1868-1917), quien saltó a la fama tras la publicación en 1899 delMaple LeafRag, el cual, junto con otros éxitos posteriores (unas sesenta composiciones), contribuyó a definir la forma delragtime clásico, con una armonía, estructura y métricaparticular. Además, y no es poco, sacó el ragtime de los burdeles. Sí, Scott Joplin era un genio, pero era negro (de padre exesclavo y madre nacida libre), y eso no lo distinguía de los demás negros. Aunque él, a diferencia de otros músicos contemporáneos, tuvo una sólida formación musical clásica, lo que se materializó en su tendencia obsesiva a obtener un equilibrio formal basándose en el uso de tonalidades próximas entre sí. El paso del tiempo lo convirtió en una figura esencial en el desarrollo del ragtime clásico, para el que deseaba un estatus similar al de la música seria europea y la posibilidad de admitir composiciones extensas como óperas y sinfonías. Hacia 1906, creó una compañía de treinta personas y produjo su primera ópera A Guest of Honor(Un invitado de honor) para una gira nacional. No se sabe cuántas representaciones hubo, o si fue un espectáculo de negros o interracial, además la partitura de la ópera se perdió. Su segunda ópera, Treemonisha (escrita en 1911), no fue bien recibida en su puesta en escena parcial de 1915. Sin embargo, supuso un motivo de orgullo para su pueblo, no sólo por la dignificación de la música popular de los campos de algodón y los ritmos típicos del blues y el jazz más genuinamente americanos, sino por la reivindicación del patrimonio folclórico y las costumbres de la cultura negra. No se estrenó completa hasta 1972. En 1916 Joplin sufre de demencia consecuencia de la sífilis y un año después muere en un psiquiátrico, a los 49 años. Su muerte marcó el fin del ragtime como formato de música de tendencia, para evolucionar hacia otros estilos y convertirse en stride, jazz, y eventualmente swing de Big Band. Como nunca hizo una grabación de sonido, su música se preservó sólo en siete rollos de piano para uso en pianolas en 1916. En 1902 compuso The Entertainer (El animador). Fue un baile popular hasta 1911. Desapareció del conocimiento del público hasta que en 1973 el músico Marvin Hamlisch lo utilizó en la banda sonora de El golpe, de George Roy Hill. En 1926 lo grabó “Jelly Roll” Morton (1885-1941), pianista, compositor y director de banda de jazz. Morton pertenecía a la pequeña burguesía criolla de Nueva Orleans, donde se educó. Dedicado a la música desde niño, a los 17 años se convierte en una de las figuras señeras de los prostíbulos de moda de la ciudad y desarrolla desde entonces una carrera musical caótica y una vida desordenada que, sin embargo, no influyeron en su talento. Entre 1926 y 1930 alcance el cénit de su éxito, junto a sus Red Hot Peppers, que incluían a KidOry, Johnny Dodds, John Saint-Cyr, Red Allen, BabbyDodds y otros músicos muy vinculados al estilo Nueva Orleans. Tenía una voz aguardentosa y estridente, con un fraseo rico e imaginativo. Como compositor, un gran número de sus obras se convirtieron en clásicos del jazz. Su presunción y vanidad eran famosas, también era receloso, conflictivo y codicioso. Se las arregló para pelearse con casi todo el mundo en sus años de mayor éxito. Más tarde, cuando se le acabó la suerte, nadie quiso ayudarle. Incluso consiguió sacar de sus casillas al imperturbable Duke Ellington, que ni acudió a su funeral. No era el creador o inventor del jazz, como él mismo afirmaba, pero era un pianista excepcional y fue su primer gran compositor.

Moritat – Mack the Knife

Aunque tuvo cierto éxito con sus primeras obras, Kurt Weill (1900-1950) tendía cada vez más hacia la música instrumental y el teatro musical. En 1926, hizo su estreno teatral en Dresde con su ópera Der Protagonist. Weill consideraba que su Der Neue Orpheus (El nuevo Orfeo, 1925), marcó un momento crucial en su carrera; prefiguraría la variedad estilística y la ambigüedad provocativa típicas de su estilo compositivo. La estética moderna se hizo más evidente en la ópera surrealista de un acto Royal Palace (Palacio Real, 1926),donde incorpora danza y proyección cinematográfica, y en la ópera bufa Der Zar lässtsichphotographieren (El Zar se deja fotografiar), de 1927. En 1927, Ernst Krenek inauguró, con Jonny empieza a tocar, una nueva línea de acción musical para la ópera que contribuyó decisivamente a la asimilación del jazz, que se expandió por Europa gracias al auge del music-hall y el cabaré berlinés. Weill la llevó a su terreno en la obra teatral Die Dreigroschenoper(La ópera de los tres centavos), que alcanzó éxito mundial cuando en 1929 le incorporó la canción Die Moritat von Mackie Messer (La balada de Mackie el Navaja) con letra de Bertolt Brecht(1898-1956). Pronto se convirtió en estándar del repertorio jazzístico y uno de los inolvidables números operísticos del siglo XX por sus inflexiones populares y su matizado expresionismo. “Moritat” es una palabra alemana que significa literalmente “hecho de muerte”. Como forma poética y musical, la moritat es un tipo de canción medieval que trata sobre alguna matanza real o ficticia, cumplida o frustrada, sea narrando los hechos del verdugo o la fuga de quien iba a ser víctima. The Beggar’s Opera (La ópera del mendigo), del inglés John Gay, creó en1728al popular personaje de un salteador de caminos llamado capitán MacHeath, basado en el criminal real, Jack Sheppard, ejecutado cuatro años antes. Weill y Brecht decidieron actualizarlo, pero eliminaron los rasgos caballerosos del personaje y lo hicieron más cruel, además de darle a la obra el consabido matiz político anticapitalista propio de Brecht. La feroz crítica social de la obra se expresa por medio de una música compuesta para una orquestina de cabaret y cantada por actores que no son cantantes profesionales. Excepto Lotte Lenya(1898-1981), la esposa de Weill, que hacía el papel de Jenny en 1928 y luego en Broadway en 1954. La música de Weillfue catalogada de “decadente” por los nazis y boicoteada. Weill y Lenya abandonaron Alemania en 1933 y se trasladaron a París. Se establecieron en Nueva York en 1935. La colaboración de Weill con Brecht fue determinante. Brecht, uno de los grandes literatos del siglo XX, ya había convertido su obra en inspiración para los nuevos operistas. A partir de 1924 desarrolló en Berlín una actividad ecléctica y dinámica: periodismo, teatro y prosa. Pero tras la lectura en 1926 de El capital, de Karl Marx, concibió su concepto del realismo literario y un nuevo tipo de teatro del absurdo con un acusado componente crítico-social. Esta nueva senda inspiró obras definitivas de compositores como Kurt Weill o Paul Hindemith. En este triángulo de genios aparece Lotte Lenya, musa inspiradora de Weill, quien la definió como “pésima ama de casa, pero excelente actriz, no sabe leer música pero cuando canta, el público la escucha como si estuviese oyendo a Enrico Caruso”. Sus versiones de las canciones de Weill son definitivas, Lenya era una cantante intuitiva, poseía un timbre de voz muy particular al borde de la desafinación, su particular fraseo e intención la convirtieron en laEdith Piaf alemana.Su estilo ha sido imitado por cantantes como Ute Lemper y la soprano Teresa Stratas y continúa siendo el gran símbolo berlinés y el referente para cantantes de la época como Marlene Dietrich. Lotte Lenya, austríaca nacionalizada estadounidense, fue actriz de teatro y cine, bailarina y cantante, nominada al Óscar y al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto por La primavera romana de la Sra. Stone.Después de la muerte de Weill, participó en el reestreno de La ópera de tres centavos, actuando luego en Brecht on Brecht(1962), Mutter Courageundihre Kinde (Madre Coraje) de 1965 y como Fraulein Schneider en el Cabaret original de 1966, así como también en varios filmes como la segunda película de la serie de James Bond,Desde Rusia con amor, donde fue premiada.

Louis Armstrong & The All Stars – St James Infirmary

Louis Armstrong era un gigante del jazz. Como trompetista tenía un sonido único y un extraordinario talento para la improvisación melódica. Con él, la trompeta emergió como instrumento solista. Además de magnífico acompañante y músico de grupo, sus innovaciones elevaron el listón para todos los que vinieron detrás.
Pero el gran nombre de la historia de la consolidación del jazz como género de personalidad única fue Lillian Hardin. Tras una exitosa carrera se casó con él en 1924. Ella lo animó para emanciparse de King Oliver, dándole la seguridad que le faltaba. Además creó los Hot Five para darle la oportunidad de grabar con su propia orquesta en unas sesiones históricas. Montó la banda, ejerció de pianista, compositora y directora musical, y, entre 1925 y 1927, hicieron varias sesiones en estudio que cambiaron el rumbo del jazz para siempre, sin posibilidad de vuelta atrás.

Sam Cooke – Ain´t Misbehavin´

EL AUTOR: Thomas ‘Fats’ Waller (1904–1943) creó una imagen pública fácilmente reconocible: el sombrero, las mangas de la camisa, la sonrisa pícara, la alegría en los ojos, el cigarrillo y la botella de ginebra a mano. Pero es su manera de cantar, puro swing y gracia, la que forma parte de la historia del jazz. Y, por encima de todo, fue el mejor de los pianistas rítmicos gracias a su destreza con la mano izquierda marcando el tiempo. Su influencia sobre Art Tatum, Teddy Wilson, CountBasie, e incluso Thelonious Monk, fue enorme. Además fue reconocido por su gran valía componiendo temas muy populares, entre ellos Honeysuckle Rose (Madreselva Rose) y Ain’t Misbehavin’ (No me he portado mal). Dos clásicos. LA CANCIÓN: Ain’t Misbehavin’es un tema de la revista musical Connie’s Hot Chocolates, compuesta por Fats Waller y Harry Brooks con letra de Andy Razaf. Se interpretó por primera vez en 1929 en el estreno de la obra en Harlem como número de apertura. La obra se trasladó en junio al Hudson Theatre, donde Louis Armstrong debutó en Broadway como director de orquesta y trompetista. Su solo en la canción tuvo que repetirlo a petición del público. Las seis grabaciones del tema no tuvieron éxito ese año. Sin embargo, con el tiempo, se ha convertido en uno de los grandes estándares en las versiones de, entre otros, Anita O’Day, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Django Reinhardt, Harry James, Miles Davis, Nat King Cole, Dave Brubeck, Johnny Hartman, Bill Haley and The Comets (en versión rocanrol en 1957). Y la de Sam Cooke. EL INTÉRPRETE: Sam Cooke (1931–1964), fue cantante de gospel, rhythm and blues, soul y pop; compositor y empresario musical. Es uno de los pioneros del soul y una de las grandes influencias en los diferentes géneros que interpretó, incluso como modelo musical y personal de Rod Stewart. Muchos lo consideran “Rey del Soul” —junto con Otis Redding— por lograr una treintena de éxitos entre 1957 y 1965. Fue el primer cantante afronorteamericano en fundar su propia discográfica y uno de los artistas con mayor audiencia blanca. Su prestigio como defensor de los Derechos Civiles no le sirvió de nada cuando, en 1964, murió acribillado a balazos por la dueña de un motel. Según ella al confundirlo con un asaltante; según otra versión, más real, por ser negro.